Idec mostra que alimentos expostos nas embalagens não correspondem à realidade e podem levar o consumidor a erro

Levantamento recente do Idec (Instituto de Defesa do Consumidor) comparando alimentos industrializados expostos nas embalagens ou em fotografias nas lojas com a real aparência reacendeu a polêmica sobre manipulação de imagens. Entraram no estudo comida pronta e congelada, vendida no supermercado, e pratos de restaurantes de fast-food. A conclusão dos técnicos do Idec é de que os produtos apresentados pelos fabricantes não correspondem à realidade e isso, segundo o Código de Defesa do Consumidor, pode ser configurado como propaganda enganosa.

Carlos Thadeu, diretor de comunicação do Idec e editor da revista Idec, onde o estudo foi publicado, comenta que essa é uma prática generalizada da indústria e que a ideia de fazer o levantamento surgiu a partir das reclamações que “chegam todos os anos” ao órgão.

“Recebemos queixas fotografadas, inclusive. Os panetones são os campeões de audiência. A queixa mais comum é comprei o produto, mas ele não tem nada a ver com a caixa”, lembrou Thadeu. O diretor explica que a intenção da equipe não foi apontar esta ou aquela marca, embora a pesquisa tenha citado as marcas dos produtos pesquisados. A escolha foi aleatória.

“Sabemos que a manipulação de imagens é um recurso comum dentro da propaganda, mas o estudo deve servir como alerta porque muitas vezes a diferença entre realidade e imagem é grande e o Código é claro a respeito de alteração de características e qualidade”, disse Thadeu.

O Artigo 37 do Código do Consumidor diz: “É enganosa qualquer modalidade de informação ou comunicação de caráter publicitário, inteira ou parcialmente falsa, ou, por qualquer outro modo, mesmo por omissão, capaz de induzir em erro o consumidor a respeito da natureza, características, qualidade, quantidade, propriedades…”

Comparações

O Idec destacou que o objetivo da pesquisa foi materializar a decepção do consumidor e trazer um alerta para o meio publicitário e fabricantes. Entre as comparações do levantamento está a pizza congelada da Sadia com menos azeitonas e queijo do que na imagem da caixa. Os congelados foram preparados pelos pesquisadores seguindo as instruções das embalagens.

Os técnicos também encontraram cookies da Bauducco com menos gotinhas de chocolate do que na embalagem, esfiha do Habib’s recheada com carne bem menos corada do que a do cartaz, panetone da Visconti com menos chocolate e wafer Mabel mais pálido do que no rótulo.

A Sadia informou que todas as imagens que constam das embalagens que levam sua marca são produzidas em estúdio fotográfico e que são utilizados apenas produtos reais. “No entanto, por ser uma produção fotográfica, ocasionalmente podem ocorrer diferenças de apresentação em relação ao produto original. Por esse motivo, a Sadia informa em suas embalagens que se trata de foto ilustrativa”.

Para o Idec, ao utilizar a frase “foto ilustrativa” em suas embalagens, os fabricantes pretendem se exonerar da responsabilidade de fornecer um produto cuja aparência está aquém do anunciado previamente. “Trazer a frase foto ilustrativa é quase que trivial, é claro que é meramente ilustrativa. É importante observar que existe distância tão grande em alguns casos, que você está falando de produtos de qualidades diferentes”, ressaltou o diretor do Idec.

A Pandurata, proprietária das marcas Bauducco e Visconti, afirmou que “por não ter acesso à avaliação realizada pela entidade, a empresa fica impossibilitada de prestar maiores esclarecimentos neste momento”. Habib’s foi procurado, mas não respondeu à reportagem. Mabel também não respondeu.

Luciana Pellegrino, diretora executiva da Abre (Associação Brasileira de Embalagens), com 300 associados, afirma que a posição da entidade é que não seja efetuado nenhum tipo de propaganda enganosa por meio da embalagem.

A executiva faz uma ressalva de que hoje a embalagem é efetivamente ferramenta de comunicação muito importante entre empresa e consumidor. “No ponto-de-venda, a comunicação se dá principalmente através da embalagem. Por isso é importante que embalagem traga informação transparente e clara, para criar elo seguro sobre referências da marca e o consumidor”, falou Luciana.

Ela ressalta que o consumidor que se sentir lesado deve fazer uso do SAC das próprias empresas e das entidades de Defesa do Consumidor. “O contato do consumidor com as empresas através do SAC traz resultado efetivo. É importante ter a opinião dele para a empresa fazer adequações”, disse a diretora da Abre.

Fonte: Propmark. Texto de Kelly Dores. (Título original da matéria: “Manipulação de imagem é questionada”)

Projeto reúne artistas brasileiros e argentinos para um intercâmbio de idéias serigrafadas. O livro-álbum de tiragem única tem as imagens expostas na Livraria Pop em São Paulo

Zear One FC Crew
A primeira imagem é do grafiteiro Zear One. Nascido em Buenos Aires em 1967, viajou aos 2 anos para Nova Iorque, nos Estados Unidos e só voltou à Argentina aos 25 anos, em 1992. Fez parte de algumas crews de grafite (grupo que pinta junto e que assinam conjuntamente, com o mesmo nome), como FC, FBA, TC5, X-MEN e Rocstars. www.myspace.com/zearone

O projeto Ser y Grafia é um livro-álbum de gravuras serigráficas originais e assinadas, criadas por artistas plásticos, designers, ilustradores e estúdios coletivos de São Paulo e Buenos Aires. O idealizador do Projeto é o Estúdio Diálogo, que coordenou a edição.

Fabricio Lopez
Mestre em poéticas visuais pela ECA/USP, é um dos fundadores do Ateliê Espaço Coringa. Em 2007 implantou um ateliê no bairro do Valongo, no centro histórico de Santos, onde desenvolve trabalhos com xilogravura. www.ateliesantos.blogspot.com

São oito artistas brasileiros e oito argentinos convidados para criar imagens em três cores que refletissem sobre as diferenças e os paralelos entre a produção portenha e a paulistana. O resultado desse diálogo cultural virou o livro que terá uma tiragem de 300 exemplares, sendo 90 delas destinadas a instituições de arte, cultural e educação dos dois países.

Confira outras obras e a a biografia dos artistas.

Livraria Pop
Rua Virgilio de Carvalho Pinto, 297, Pinheiros, São Paulo, SP
Tel. 0/xx/11/3487-1677
Até 28/11
Segunda a sexta, das 13h às 20h, sábados das 11h às 18h.

Fonte: Bravo Online.

A Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI) foi a primeira escola de desenho industrial de nível superior criada no Brasil.

Seu objetivo era legitimar a profissão de designer no país e, principalmente, formar profissionais adaptados à realidade brasileira, que pudessem atender às novas demandas da sociedade industrial, tanto no planejamento de produtos quanto nos meios de comunicação visual.

Dentre os nomes envolvidos com a escola, estavam Karl Heinz Bergmiller, Alexandre Wollner, Aloísio Magalhães e Goebel Weyne, além da participação de personalidades importantes do design mundial, como Max Bill (1908-1994), Tomás Maldonado (1922), Max Bense (1910-1990) e Walter Gropius (1883-1969), fundador e diretor da Escola de Bauhaus por quase dez anos.

O primeiro diretor da ESDI foi Maurício Roberto, na época presidente do Instituto dos Arquitetos do Brasil (IAB), que na estrutura administrativa da Escola era membro de um Conselho Consultivo, junto com professores e representantes de alunos.

O modelo original seguido pela ESDI foi o da Escola de Ulm, principalmente pela formação de seus primeiros professores. Em 1968, ocorreu uma primeira reestruturação do currículo, revendo a influência estrangeira na Escola e visando adequá-la às condições econômicas e tecnológicas da indústria brasileira.

A intenção de unir os conhecimentos técnicos, científicos, artísticos e culturais na perspectiva de um ensino teórico e prático, somado ao fato da Escola ter sido reconhecida pelo Conselho Estadual de Educação, fez do currículo da ESDI o modelo oficial para a implantação de outros cursos de Desenho Industrial no Brasil.

Leia mais: Website ESDI

Bibliografia: SOUZA, P. ESDI – Biografia de uma idéia. Rio de Janeiro:  Editora UERJ, 1996.

Fonte: Design Brasil / Almanaque

TEDxSP promove encontro e cria comunidade de profissionais de diferentes campos e experiências, no palco e na plateia, para discutir o que o País pode oferecer ao mundo agora. E colocar os planos em prática

Foram mais de 12 horas de inspiração. Esta é uma das palavras que resume o que foi o TEDxSP, versão nacional e organizada de forma independente do prestigiado TED, o acrônimo de Technology, Entertainment and Design, movimento surgido nos Estados Unidos que fomenta a criatividade, o pensar e também a inquietação – por que não? – de profissionais de diversos campos de atuação, mas que tenham como foco buscar o novo e encontrar uma maneira de colocá-lo em prática.

O evento foi conduzido principalmente por Hélder Araújo, da WebCitizen, da equipe de organizadores e três vezes participante do TED. Para abrir a sessão de painéis, ele citou o Dalai Lama. “Só existem dois dias no ano que nada pode ser feito. Um se chama ontem e o outro se chama amanhã, portanto hoje é o dia certo para amar, acreditar, fazer e principalmente viver.”

Com esse espírito foram iniciados os painéis. As apresentações foram divididas em quatro blocos, que tiveram intervalos para propiciar o networking entre os participantes, uma tônica do TED, já que, além de gerar o debate de ideias, o encontro é feito para que as pessoas troquem experiências e se conheçam. “Compartilhar é muito bom. Estamos formando uma comunidade”, disse Raphael Vasconcelos, da AgênciaClick, um dos organizadores que esteve no TED em março deste ano.

Ao todo, foram 35 apresentações, sendo quatro musicais. Houve dois anúncios – a criação da pesquisa “Qual é o sonho do brasileiro”, da Box 1824, e o lançamento do site www.votenaweb.com.br – e uma convocatória: para que pessoas habilitadas para fazer traduções se candidatem a ser voluntários para legendar os vídeos do TED original em português (projeto TED Open Translation).

Aguarde: publicaremos uma nota com um resumo de todas as apresentações, para ler com calma. Confira ainda os comentários publicados no blog Sapo de Dentro feitos por Laura Chiavone, sócia-diretora da Limo, e Ana Paula Cortat, vice-presidente de estratégia de marca da rede Isobar.

Fonte: M&M Online. Por Lena Castellón

Móveis, louças, vasos, iluminação, óculos, artigos de papelaria, relógios de pulso, óculos de sol, a pira olímpica, brinquedos, relógios despertadores, barcos, quartos de hotel, edifícios comerciais, motos …

Por mais de 30 anos, Philippe Starck tem sido um designer, criador e arquiteto nada convencional (quando perguntado o que ele queria ser quando era criança ele respondia “astrofísico” ou “compositor”). Ele derrama sua energia e entusiasmo sem limites em uma miríade de idéias. Para ele, a vida é “tornar os produtos poéticos”.

A  inspiração inicial de Philippe Starck veio de seu pai, que era um engenheiro aeronáutico. O jovem Philippe passou horas desmontando e montando o que tinha à mão: de brinquedos, bicicletas, motos a vários outros objetos. Este processo acabou por aguçar a sua curiosidade, refazendo o mundo à sua volta.

Sua mãe lhe deu uma visão poética do mundo, uma abordagem de vida que ele chama de “panache” (em português, panachê significa mistura de legumes diversos, picados e refogados). Aconselhado por ela, ele estudou design na Nissim de Camondo em Paris.

Vários anos e diversos protótipos mais tarde, e Philippe Starck foi contratado para trabalhar para o presidente francês François Mitterrand. Também nessa época Starck já estava criando mobiliário para as principais empresas italianas, bem como aprimorando seu portfólio de serviços para hotéis, exemplos clássicos desse período podem ser encontrados em Nova York e Miami. A arquitetura expressionista de Starck também começava a surgir no Japão.

Philippe Starck tanto gosta de mexer com as tradições e a cultura das grandes cidades ao redor do mundo quanto se esforça para estabelecer novos clássicos.

O primeiro de uma série de restaurantes japoneses inaugurados nos EUA foi apontado como “um dos restaurantes mais envolventes dos últimos dez anos.” Seus hotéis trouxeram uma nova dimensão à paisagem dos Estados Unidos, bem como em outros países.

Quando Philippe Starck concebe um hotel ou restaurante, ele presta mais atenção ao que não há no entorno do que ao que há, criando espaços que o visitante pode fazer parte ou transformar. Para Starck, “o vazio é mais importante do que a plenitude”. São espaços projetados para que os membros de uma “tribo cultural” sejam tirados dela e, mais importante, sejam levados para algo melhor.

As “credenciais verdes” de Phillipe Starck já eram evidentes antes do assunto sustentabilidade – ou “o pensar” sobre o futuro do planeta – tornar-se popular. Mais de 10 anos atrás, ele montou uma empresa de alimentos orgânicos e atualmente projeta carros a hidrogênio. Ele também é o diretor criativo para o projeto de um novo espaço no Novo México, que será executado dentro dos mais elevados padrões ambientais.

Texto base: Philippe Starck’s School of Design
Fonte: BBC
As imagens são da internet e não estão em ordem cronológica.
Muito mais sobre Philippe Starck em s+arck

A gestão da marca vem evoluindo desde que a nova diretoria assumiu a empresa. A Aquavit vem conquistando espaço e superando empresas tradicionais do setor de água mineral natural em Santa Catarina.

Atenta aos novos padrões de consumo, sobretudo entre as pessoas com cotidiano dinâmico e praticantes regulares de esportes, a Aquavit firmou parceria com a Gift Comunicação já no final de 2007 e a partir daí vem consolidando seu posicionamento inovador, tanto em produto – no que se refere a rótulos e embalagens – quanto em sua linha de comunicação, mais afinada com seu público.

Postura comercial arrojada, objetivos de marketing voltados aos anseios do consumidor e o talento da Gift empregado aos projetos de design, foram fatores decisivos para a brilhante fase de conquistas da marca Aquavit.

A matéria a seguir traz dados que definem a importância de uma boa gestão em design e desenvolvimento de produtos, confirmando a necessidade de envolver planejamento profissional qualificado para obter os resultados tão desejados pelas empresas.

Inovação em produtos é discutida por especialistas

Falta de marketing, de inovação e de benefício são os motivos pelo desaparecimento de 81% dos lançamentos

Saber inovar é um dos principais desafios das empresas para reter e atrair consumidores. E a solução, muitas vezes, pode estar na embalagem do produto. Para mostrar aos anunciantes como aumentar sua participação no mercado, Fábio Mestriner, coordenador do núcleo de estudos da embalagem da ESPM, comentou como marcas podem ter bons resultados com a mudança de suas embalagens, durante o evento Inovação, realizado pela GfK (Growth from Knowledge) na última quarta-feira (7), em São Paulo.

Como bem lembrou Mestriner, mais de 80% das decisões de compra são tomadas no ponto-de-venda (PDV) por conta da embalagem. O professor comentou que a primeira lei sobre um produto surgiu em 1511, onde hoje é a Alemanha, que especificava quais eram os ingredientes que deveriam estar presentes em uma bebida para que ela fosse considerada uma cerveja. “A receita da cerveja é a mesma desde aquela época. Mas a cerveja já foi vendida em barril, garrafa de vidro, latinha…”, exemplificou Mestriner.

Segundo os dados apresentados pelo professor, 81% dos lançamentos desaparecem até o segundo ano de existência e os motivos do fracasso são, em sua maioria, devido a um marketing insuficiente (52%), falta de inovação (48%) e por não apresentarem benefícios ao consumidor (25%). “Mas só apresentar uma inovação não basta! O consumidor tem que perceber que há valor no produto para ele”, analisou Mestriner.

O especialista em embalagens apresentou cases, como da Olé, que resolveu colocar as ervilhas em uma embalagem de vidro, igual a que já usava no seu extrato de tomate, e assim ganhou market share. Outra marca que mudou sua embalagem foi o Sal Lebre que passou a ser vendido em embalagem de margarina e agora disputa a liderança em vendas com a tradicional Cisne, ainda vendida em sacos plásticos. O Leite Moça, leite condensado da Nestlé, demorou dois anos desenvolvendo a lata curvilínea que lembra a cintura da moça símbolo da marca, mas o resultado foi bem positivo e manteve a liderança em vendas do produto.

“O principal elemento da inovação é a coragem da empresa em mudar. O empresário pergunta assustado: ‘vou ter que jogar fora o maquinário que acabei de comprar por 400 mil euros? Vai!”, afirmou Mestriner.

Fonte: Propmark

Veja também o post “As legítimas“, de 18 de março de 2008, aqui do BloGift!

Um dos mais influentes designers no início do período industrial, entre outras realizações, Jean Prouvé introduziu a produção em escala e a engenharia moderna do aço e do alumínio na estética do design de interiores e na arquitetura que ele criou.

Nasceu em uma família de artistas, em Nancy, França; seu famoso pai, Victor Prouvé, colaborou com os grandes artistas da Art Nouveau, Émile Gallé e Louis Majorelle, como ceramista.

Jean aperfeiçoou-se como ferreiro antes de frequentar a escola de engenharia em Nancy, e seu conhecimento profundo em metal manteve a base do seu trabalho e carreira.

Depois de abrir sua própria oficina em 1923, Jean Prouvé iniciou a produção de móveis de metal com projetos próprios, bem como colaborou com alguns dos mais conhecidos designers franceses de seu tempo, incluindo a Le Corbusier e Charlotte Perriand. Suas unidades-padrão para os dormitórios na Cité Internationale Universitaire de Paris, projetadas com Perriand e a artista Sonia Delaunay em 1952, são talvez os mais conhecidos exemplos do seu trabalho colaborativo.

Cama do projeto Cité Internationale Universitaire de Paris

Jean Prouvé sempre considerou-se mais um engenheiro do que um designer. Ele nunca criou nada pela questão puramente formal, mas concentrou-se na essência dos materiais e sistemas de produção. Neste sentido ele disse uma vez: “Nunca crie nada que não pode ser executado”. Esse processo de design moderno resultou nas clássicas cadeiras Standard, de 1934, e Antony, de 1954.

Utilizando seu método inovador de chapas dobradas, Jean Prouvé projetou uma série de mesas que tem a perceptível presença da arquitetura.

Em meados dos anos 1950, ele abandonou a produção de móveis para dedicar seu tempo exclusivamente aos desafios da arquitetura pré-fabricada. Sua própria casa, que ele concebeu como um protótipo, é até hoje considerada um grande legado neste gênero de habitação.

Jean Prouvé (1901-1984): Designer de móveis, industrial e arquiteto.

Fonte: Website Jean Prouvé

Curadores de uma exposição em São Paulo, os irmãos Campana usam as lições do design para criar uma atmosfera lúdica e amigável

Em suas peças de design, os irmãos Fernando e Humberto Campana os brasileiros mais respeitados do mundo nessa área perseguem uma relação ao mesmo tempo direta e lúdica com seu público. Direta porque seus objetos primam pela funcionalidade. Lúdica porque assumem um clima jocoso com suas cadeiras feitas de mangueira de PVC e mesas com as superfícies planas repletas de ralos de banheiro. Na coletiva Jardim de Infância, em cartaz no Museu de Arte Moderna de São Paulo, os irmãos Campana encaram o papel de curadores pela segunda vez — a primeira experiência foi em 2008, no National Design Museum, em Nova York.

A exposição, com 41 obras, entre pinturas, fotografias e esculturas, pinçadas do acervo de 5 mil peças do MAM, seduz não só por causa das escolhas da dupla. Eles criaram toda uma ambientação “amigável” para o espaço expositivo, algo que tem tudo a ver com o design que fazem. Partem do seguinte princípio: a arte nos museus, na maioria dos casos, impõe uma distância que compromete sua fruição. O design, ao contrário, desarma e aproxima as pessoas.

Nessa linha, o título na entrada da sala surge escrito com durex amassado e as paredes estão pintadas de azul-calcinha. Com as telas e fotografias quase rentes ao chão, na altura dos olhos de uma criança, os visitantes são ainda forçados a reviver a infância. E não é só isso. Os irmãos Campana acabam sugerindo assim um jeito diferente de observar uma obra de arte, em que a forma em estado puro se torna mais importante do que qualquer elucubração.

Os trabalhos selecionados, e a maneira como eles se combinam e contrapõem, se coadunam com a atmosfera geral. Numa fotografia do húngaro naturalizado brasileiro Thomas Farkas, feita em 1959, a cidade de Brasília em construção é apenas ferro e concreto. Mais à frente, está um vidro quebrado e emoldurado pelo paulista Iran do Espírito Santo. Uma travessura de criança eternizada? Mais adiante, o formato fino e comprido de uma escultura de bronze (foto) da paulistana Marcia Pastore sugere uma divertida continuação de uma das patas da famosa aranha criada pela francesa Louise Bourgeois que fica do outro lado da parede, fora da sala.

Os irmãos Campana contam que escolheram as obras por meio de uma descompromissada passada de olhos em três calhamaços com fotos do acervo do museu paulistano. Todas em preto e branco e tão pequenas quanto um dedo mindinho. Eles literalmente selecionaram os trabalhos brincando. E é esse o convite evidente que nos fazem.

Fonte: Bravo Online. Por Bruno Moreschi.

A EXPOSIÇÃO
Jardim de Infância: Os Irmãos Campana Visitam o MAM. Museu de Arte Moderna de São Paulo (parque do Ibirapuera, portão 3, SP, tel. 0++/11/5085-1300). Até dia 13. De 3ª a dom., das 10h às 18h. R$ 5,50. Grátis aos domingos.

Blumenau recebe a maior casa de festas da região

Com o slogan “O lugar perfeito para sua festa”, a campanha envolve outdoor, painel triedro e rodízio de front, patrocínio na coluna Neuza Manske e no Caderno de Inverno – Jornal de Santa Catarina e ação de merchandising no Jornal do Meio Dia da RIC Record.

O mascote, um cãozinho labrador, que compõe o logotipo, estabelece o vínculo entre as crianças, seus pais e a atividade da casa. Toda identidade visual é assinada por Paulo Cunha, proprietário da agência.

Ficha técnica
Diretor de criação: Paulo Cunha
Direção de arte: Letícia Gumz
Webdesigner: Maicon Junches
Produção gráfica: Julie Christie
Planejamento: Chico Mendonça