A maior exposição de Andy Warhol já apresentada na América Latina chega a São Paulo. Ao percorrê-la, é inevitável constatar como suas ideias provocam reflexão ainda hoje

Beatles, Bob Dylan e Andy Warhol. Esses três nomes definem a década que mudou tudo no século XX, os anos 60. Bob Dylan bebeu nas tradições do passado – a poesia clássica americana e a música caipira do país, o country – para elevar o rock ao status de arte. Enquanto isso, os Beatles varriam, com seu radar, várias áreas da cultura, e assim moldaram o mais perfeito retrato da época. Se Dylan olhava para trás e os Beatles captavam o espírito do presente, o artista plástico Andy Warhol (1928-1987) era a antena que rastreava o futuro. Essa é a impressão que fica quando se vai à mostra Andy Warhol, Mr. America, em cartaz a partir do dia 20, na Estação Pinacoteca, em São Paulo. Trata-se da maior exposição dedicada ao artista já apresentada na América Latina, com 169 obras – 26 pinturas, 58 gravuras, 39 fotografias, 44 filmes e duas instalações. Andy Warhol pode ter sido um ícone dos anos 60, mas o que mais chama a atenção na individual é o tanto que sua obra diz sobre os dias de hoje. Ele parece ter captado, no nascedouro, um novo mundo que surgia: o do culto às celebridades, da democratização dos bens de consumo, e da exibição pública da vida pessoal, que atualmente ganha contornos máximos por meio dos reality shows, como o Big Brother, dos blogs e do Twitter.

Grande parte das peças que integram o conjunto foram criadas quando o artista morava na lendária Factory (“fábrica”, em inglês), em Nova York, um estúdio onde trabalhava, reunia amigos e promovia festas (leia crônica a partir da página 38). A mostra, que já passou por Bogotá, na Colômbia, e por Buenos Aires, na Argentina, centra-se no período entre 1961 e 1968, considerado o mais prolífico da trajetória do artista pop. São dessa época algumas de suas obras mais fortes no imaginário popular, todas presentes na seleção do curador Philip Larratt-Smith – como os retratos de Marilyn Monroe, as serigrafias das latas de sopa Campbell’s, e os filmes chamados de Screen Tests (Testes de Tela). As peças vieram do museu de Pittsburgh, nos Estados Unidos, cidade natal do artista. Em Buenos Aires, escala da exposição antes de São Paulo, o Museu de Arte Latino-Americana (Malba) manteve-se com filas na porta durante toda a temporada – cerca de 200 mil pessoas visitaram a instituição ao longo dos quatro meses de duração da mostra. Embora tirar fotos fosse expressamente proibido, os espectadores sacavam discretamente seus celulares com câmeras diante dos mais conhecidos itens em exibição – as Marilyns e as Campbell’s -, o que dá a exata medida do quanto Andy tem apelo ainda hoje.

Por que razão isso ocorre? Antes, é necessário responder a outra pergunta: qual é, afinal, o tamanho de Andy Warhol na arte do século XX? A resposta situa-se em algum lugar entre os dois pontos de vista que balizam a discussão sobre a arte contemporânea. Um deles, sustentado por vários críticos – entre eles Luciano Trigo, que no final do ano passado lançou o livro A Grande Feira – defende que a última grande inovação nas artes plásticas foi a de Marcel Duchamp (1887-1968). O francês estabeleceu que o artista definia o que era ou não arte, e marcou a postura com um exemplo radical ao inscrever um urinol em um salão de arte. De acordo com esse ponto de vista, tudo o que se faz hoje é reciclar o pensamento de Duchamp – e assim as latas de sopa de Warhol, tanto quanto os tubarões em formol do britânico Damien Hirst, seriam repetições do urinol original. Outra maneira de pensar, defendida pela maioria dos artistas e pela outra metade dos críticos, considera essa ilação redutora e pontifica que o que conta são as questões levantadas pelas obras – sejam elas realizadas ou não de próprio punho por seus autores, repitam elas ou não o pensamento fundamental de Duchamp.

MARILYNS EM SÉRIE

Warhol é importante pelas questões que sua produção levanta e pelas reflexões que provoca até hoje. Reflexões, claro, bastante diferentes das que as mesmas criações suscitaram nos anos 60. Por uma razão simples: Warhol falava de um novo mundo que nascia, e nós vivemos agora a consolidação deste mundo. Um passeio pela exposição que entra em cartaz em São Paulo evidencia isso. A seleção traz, por exemplo, a famosa série de silk-screens de Marilyn Monroe, desenvolvida a partir de 1962, no calor das notícias sobre o suposto suicídio da atriz. Cabe aqui um paralelo com o pintor espanhol Diego Velázquez (1599-1660), retratista oficial da corte do rei Felipe IV. Velázquez pintava o rei e a rainha porque não tinha escolha: era empregado da coroa. E a glória do rei não aumentava nem diminuía à ação do pincel do artista contratado. Quando Warhol opta por Marilyn, ao contrário, ele a legitima como figura central na arte pop do século XX, e não uma mera personagem do que, na época, se costumava chamar de “indústria cultural”. Isso ocorre porque ele sobrepõe à marca “Marilyn” uma outra, igualmente poderosa, cuidadosamente cultivada: a dele próprio.

Quando iniciou sua Factory, em 1964, Warhol tinha duas obsessões na vida: ganhar dinheiro e ficar famoso, não necessariamente nessa ordem. O próprio loft, com as paredes cobertas com papel alumínio e o teto e o chão pintados com tinta prateada, acabou virando uma boa estratégia para o tão desejado sucesso. Warhol fazia questão de deixar sua porta sempre aberta para acolher as celebridades em alta e elas retribuíam com uma assiduidade de cartão de ponto. A modelo, atriz e socialite Edie Sedgwick tornou-se companhia constante. O cantor Bob Dylan também era um frequentador habitual do endereço, assim como Lou Reed e John Cale, membros da banda The Velvet Underground, que tinha justamente Warhol como empresário. O mais americano dos artistas americanos adorava uma fofoca, gastava horas ao telefone e não perdia uma boa festa. Tudo em nome da fama – e do dinheiro. Aos poucos, transformou-se em um produto. Sua casa, a Factory, virou marca. E sua atitude, suas companhias, enfim, sua imagem pública converteu-se em um meio para valorizar sua obra. O também artista Charles Henri Ford definiu muito bem certa vez o estilo de vida do amigo: “Andy numa ilha deserta não seria Andy”.

É interessante lembrar que ele não imprimiu uma única Marilyn, mas uma série delas. Com isso, antecipou de certa forma que a reprodução infinita de imagens de personalidades definiria seus status de celebridades – sem nenhum mérito anterior, seja de nascimento (reis e rainhas, como no tempo de Velázquez), seja artístico. É só pensar em Britney Spears, a cantora que sucedeu Madonna sem ter um milésimo do talento de sua antecessora, mas ancorada numa tremenda habilidade para criar fatos que a mantivessem na mídia. Ou, chegando ao extremo, a socialite americana Paris Hilton, que se vale do mesmo artifício (no mês passado, coreografou um estudado pé-na-jaca no carnaval carioca).

DIETA DA SOPA

Outra das intuições de Warhol tem a ver com as serigrafias das latas de sopa Campbell’s, também presentes na exposição em São Paulo. Foi ele quem primeiro enxergou que as comidas prontas começavam a entrar no cardápio tanto do presidente de seu país quanto da classe média, e explicitou essa ideia ao estampar as latas em série. A primeira exposição de um conjunto de 32 delas ocorreu na Ferus Gallery, do galerista Irving Blum (e fez com que uma galeria vizinha, numa provocação, colocasse à venda, inclusive em promoção, várias embalagens verdadeiras da sopa). O que Warhol percebia – e inovava ao levar para a arte – era o entusiasmo generalizado que havia em torno de símbolos da cultura de massa.

Warhol fez o mesmo com a Coca-Cola, com as caixas de sabão em pó Brillo, de catchup Heinz e de sucrilhos Kellogg’s. A reflexão que sua lata de sopa Campbell’s, exposta na Estação Pinacoteca, provoca atualmente, é sobre a democratização dos bens de consumo. Os teóricos do que nos anos 60 se chamava de “massificação” achavam que o fetiche em torno de determinadas marcas tornaria as escolhas uniformes. Houve um momento em que isso realmente aconteceu, mas hoje o mundo caminha na direção oposta.

Por conta da produção em larga escala e da melhoria da qualidade de vida em diferentes pontos do planeta, a classe média de hoje vive mais ou menos como os milionários dos anos 20. Tem acesso a viagens internacionais (lembra de quando o seleto grupo que andava de avião era chamado de jet set?), bons vinhos e ao crescente circuito de restaurantes de grife. Ao contrário de uniformizar o gosto, como ocorria nos tempos da velha massificação, essa democratização o diversificou – no fenômeno conhecido como “cauda longa”, descrito pelo ensaísta americano Chris Anderson: cada vez mais gente com dinheiro procura um número cada vez mais variado de produtos e marcas. Muito provavelmente Andy Warhol não pensou em nada disso quando colocou suas Campbell’s na galeria – mas nós invariavelmente somos levados a refletir sobre o fenômeno quando olhamos para as latas na Estação Pinacoteca. E nos espantamos com o poder visionário do artista.

TRÊS MINUTOS DE FAMA

Por fim, dá para dizer que Warhol de certa forma antecipou a superexposição da vida pessoal que, com a internet e seus populares sites de relacionamentos – isso sem contar os blogs e agora o Twitter -, tornou-se uma característica do século XXI. Na mostra em São Paulo, é possível assistir à série de Screen Tests de Warhol. Trata-se de filmetes com cerca de três minutos de duração cada, trazendo amigos jovens e bonitos do artista – entre eles, a modelo Edie Sedgwick e os cantores Bob Dylan e Lou Reed. Enquadrados em primeiro plano, eles eram instruídos a apenas encarar a câmera. Warhol, que usava pouca edição, nem ficava por perto durante a gravação. Apertava o botão “rec” e saía. Um incomodado Dylan surge fumando. Ann Buchanan, mulher do poeta Charles Plymell, chora. A modelo Jane Holzer aparece escovando os dentes. Os Screen Tests foram o maior sucesso da mostra em Buenos Aires.

As situações, por vezes íntimas demais, não causam um desconforto só à pessoa diante da lente. À medida que os vídeos avançam, o próprio espectador fica um tanto constrangido com as cenas: todo mundo se vê em alguma medida nas personagens filmadas. Além disso, em close, por um tempo considerável, mesmo os mais belos rostos acabam denunciando suas imperfeições. Notam-se as rugas, assimetrias, desproporções. Vaidoso, o próprio artista nunca se colocou diante da câmera para um, digamos assim, “auto-Screen Test”. Assistir aos filmes de Warhol desperta um sentimento semelhante a acompanhar o Big Brother hoje, um misto de vergonha alheia e sadismo.

A diferença entre os amigos de Warhol nos Screen Tests e os BBBs é que os primeiros já eram famosos, e os segundos estão atrás de fama. Aliás, talvez não seja exagero dizer que, dos anos 60 para cá, esse desejo de notoriedade não apenas deixou de ser algo pejorativo como passou a ser uma vontade legítima, digna de declaração pública até. Todo mundo quer os seus… vamos lá… quinze minutos de fama, para reproduzir aqui a frase de Warhol que se tornou um clichê. E isso inclui o mundo dos artistas. Nomes como o já citado Damien Hirst e seu amigo Bono Vox, da banda irlandesa U2, e o americano Matthew Barney e sua mulher, a cantora islandesa Björk. À la Andy Warhol, eles também badalam em festas e transformam suas assinaturas em marcas. É como se todos interpretassem uma peça escrita nos anos 60, por um caipira de Pittsburgh com tremenda sensibilidade para entender o presente e assustadora habilidade para antecipar o futuro.

Fonte (mais imagens): Bravo Online. Colaborou Anna Rachel Ferreira

COLABORAÇÃO
Para finalizar o mural de 150 m2, concebido em um painel de madeira fixado à parede da galeria subterrânea, Stephan Doitschinoff contou com o auxílio de seus assistentes, Lucas Fiaccadori e Teresa de Toledo Barros (ambos na foto). Obras em processo ou recém-concluídas tinham à frente ventiladores ligados na potência máxima, que aceleravam a secagem da tinta

POLÍCIA
Além da tinta azul característica de suas pinturas, o ex-skatista Zezão utilizou pedaços de madeira e cartazes ao longo da instalação que construiu no Masp. Ele é grafiteiro há 15 anos e, para driblar a polícia, costuma trabalhar em lugares menos acessíveis, como galerias de esgoto

Por Sheyla Miranda. Mais imagens em Bravo Online

O suíço Hans Ulrich Obrist foi eleito pela revista inglesa “Art Review” o nome mais influente do mundo da arte em 2009. O fato ilustra como os curadores são importantes hoje – tanto quanto os críticos ou os próprios criadores

Em 1999, o curador suíço Hans Ulrich Obrist, famoso por assinar exposições nada convencionais – em quarto de hotel e biblioteca, por exemplo -, resolveu aproximar a arte da ciência. Durante a temporada de Laboratorium, a cidade da Antuérpia, na Bélgica, virou mesmo um grande laboratório. Convidada para a experiência, a artista alemã Rosemarie Trockel criou a sua versão de uma sala para estudo do sono. O lituano Jonas Mekas fez um filme em que revisitava a lendária Factory, como era chamado o estúdio de Andy Warhol (1928-1987). Foi um período em que artistas e cientistas puderam conversar sobre suas visões de mundo, tudo devidamente documentado e divulgado. Obrist já era bastante conhecido na época justamente por não se conformar em manter a arte restrita ao ambiente das galerias e museus. Mas seria ainda mais.

Hoje, aos 41 anos, o co-diretor e curador da Serpentine Gallery, em Londres, acaba de receber o título de pessoa mais poderosa do mundo da arte pela respeitada revista inglesa Art Review. Pela primeira vez, na oitava edição da lista anual, um curador ocupa o primeiro lugar. Sinal dos tempos. No princípio, eram os artistas – e do contato direto deles com seus mecenas e o público resultava o valor e a relevância de uma obra. Num segundo momento, entraram os críticos. Em seu livro A Palavra Pintada, publicado nos anos 70, o jornalista americano Tom Wolfe mostrou como eles se tornaram relevantes num mundo em que a arte necessitava de “legenda” – nas palavras de Wolfe – para ser entendida. Segundo ele, artistas como Jackson Pollock (1912-1956) inclusive adaptaram seu processo criativo às teorias que críticos influentes, como Clement Greenberg, defendiam. Agora, chegou a era dos curadores. E por que eles são tão importantes?

Em primeiro lugar, porque hoje eles não se limitam a organizar exposições e escrever seus catálogos, como faziam no passado. Por meio das coletivas que montam, expressam suas opiniões sobre a arte contemporânea. Em 2002, por exemplo, Obrist lançou a exposição on-line Do It (Faça Isto). Dela participaram veteranos da arte conceitual, como o americano John Baldessari, e nomes de fora do eixo Londres-Nova York, caso da palestina Mona Hatoum e de Pépon Osorio, porto-riquenho conhecido pelas instalações em grande escala. A idéia do curador era permitir que os próprios espectadores fizessem arte, seguindo as instruções detalhadas dos autores das peças. Durante a temporada, ele gerenciou um blog em que publicava diariamente as alterações sugeridas pelo público, deixando claro o sonho de proporcionar um campo expandido para a arte.

O segundo motivo é que, por exercerem essa função criativa, os curadores ganharam prestígio. Assim, passa a ser uma honra para um artista – e fator de valorização – participar de uma mostra assinada por uma grife como Obrist. O poderoso curador, que já esteve à frente de cerca de 200 exposições, não tem problemas em conseguir um grande nome para um evento seu. O pintor alemão Gerhard Richter e o polonês Gustav Metzger, famoso por sua arte política, já produziram obras especialmente para coletivas promovidas por ele. Aliás, isso ocorreu desde o início. A primeira mostra de Obrist foi feita quando ele tinha 23 anos, na cozinha de sua casa em Zurique, e chamou-se World Soup (Sopa do Mundo). Na seleção, que ficou em cartaz durante três meses e recebeu exatas 29 visitas, havia trabalhos do inglês Richard Wentworth, que hoje leciona na Escola de Desenho e Artes Ruskin, em Oxford, e do escultor e fotógrafo francês Christian Boltanski.

Cappuccino de caramelo

Obrist coloca até hoje a coletiva em sua cozinha entre as preferidas. Sempre vestindo ternos em tons de cinza e azul, ele fala muito rápido, em um inglês com forte sotaque alemão e que ainda mistura palavras em francês. É um suíço que gesticula as mãos como um italiano e sempre pontua uma frase com uma citação de um filósofo ou de um artista. Enquanto conversa, ele rabisca pequenas ilhas sobre papéis e esses desenhos parecem ajudá-lo a encadear os pensamentos. Em sua mesa, pilhas de livros, ilustrações e jornais de diferentes países dividem espaço com o laptop, o BlackBerry e uma xícara gigante de cappuccino de caramelo com creme da rede americana Starbucks.

Obrist gosta de fazer experiências com o tempo. No começo dos anos 90, dormia apenas duas horas por dia e tomava muito café, seguindo o esquema criado pelo escritor francês Honoré de Balzac (1799-1850). Mais tarde, já no final dos anos 90, tentou o modelo proposto pelo renascentista italiano Leonardo da Vinci (1452-1519). Passou a trabalhar por três horas e dormir 15 minutos. “Funcionou bem por mais de dois anos. Foi quando transcrevi boa parte das minhas entrevistas com artistas e os transformei em livros”, conta (Entrevistas Vol. 1 e Vol. 2 saíram no Brasil pela editora Cobogó). Mas a rotina provou-se inviável e anti-social quando Obrist virou o curador do Musée d’Art Moderne de La Ville, em Paris, em 2000.

Desde que aceitou o convite para trabalhar na Serpentine Gallery, em abril de 2006, uma galeria pública e de acesso gratuito em Londres, Obrist diz que está mais “sedentário”. Dá expediente na galeria, vai sempre à abertura de exibições de outras galerias e, de sexta a segunda, sai de Londres em busca de novos artistas. Faz questão de fugir do Natal viajando para países que não celebram a data. No ano passado, ele visitou Teerã. “Acho um desperdício parar esses dias. Em 2008, descobri muita gente interessante no Cairo”, diz Obrist, que afirma não tirar férias desde 1999 e folgar só no primeiro dia do ano.

Para dar uma movimentada nessa vida “quase tranquila”, Obrist inventou as Maratonas Culturais na Serpentine. São duas rodadas de 12 horas, realizadas quatro vezes por ano, em que artistas, poetas, escritores e jornalistas participam com idéias. Catalogadas em um dossiê intitulado Idéias Possíveis, o curador suíço pretende colocá-las em prática no futuro. Há também o Brutally Early Club (Clube Brutalmente Cedo), reuniões em torno de temas como filosofia e arte que acontecem pontualmente às 6h30 da manhã. A modelo Kate Moss, o artista Damien Hirst – número um da lista da Art Review em 2008 -, o escritor Tom McCarthy e o arquiteto Markus Miessen aparecem com frequência. Para quem duvida que Obrist consiga angariar convidados nesse horário, ele pega um cartão e carimba com força: “Você está brutalmente convidado”. Só fica então espaço para outra dúvida: quem se atreveria a faltar a um encontro com o todo poderoso da arte?

Brasil e Bienal

O Brasil está no roteiro de viagens do curador neste ano. Além de entrevistas com os músicos Tom Zé e João Gilberto e com o dramaturgo José Celso Martinez Corrêa, o admirador confesso da artista Lygia Pape (1927-2004) pretende visitar ateliês de jovens promessas. Obrist gostou muito da Bienal de São Paulo de 1998, que tinha como tema a Antropofagia, mas critica esse modelo de exposição: “Precisamos de uma nova bienal”, diz. Segundo Obrist, hoje há cerca de 150 bienais pelo mundo e cada vez mais elas “se espelham nelas mesmas”. O curador teme ainda os eventos assim tão esporádicos: “É como se a arte só acontecesse nos períodos de bienais e depois houvesse um imenso deserto”. Ele acredita em ações contínuas e atividades mais “holísticas”, que unam diversas áreas.

O homem mais importante do mundo da arte enxerga possibilidades de trabalho em praticamente tudo ao redor: “Hoje se pode fazer curadoria de arquitetura, música, revistas ou tudo isso misturado. O mundo todo pode receber curadoria”, diz Obrist que, no entanto, garante não ter se deixado seduzir com o topo do ranking da Art Review: “Eu estava trabalhando quando vi a notícia no meu telefone e continuei a trabalhar”.

Fonte: Bravo Online. Por Marianne Piemonte

Projeto reúne artistas brasileiros e argentinos para um intercâmbio de idéias serigrafadas. O livro-álbum de tiragem única tem as imagens expostas na Livraria Pop em São Paulo

Zear One FC Crew
A primeira imagem é do grafiteiro Zear One. Nascido em Buenos Aires em 1967, viajou aos 2 anos para Nova Iorque, nos Estados Unidos e só voltou à Argentina aos 25 anos, em 1992. Fez parte de algumas crews de grafite (grupo que pinta junto e que assinam conjuntamente, com o mesmo nome), como FC, FBA, TC5, X-MEN e Rocstars. www.myspace.com/zearone

O projeto Ser y Grafia é um livro-álbum de gravuras serigráficas originais e assinadas, criadas por artistas plásticos, designers, ilustradores e estúdios coletivos de São Paulo e Buenos Aires. O idealizador do Projeto é o Estúdio Diálogo, que coordenou a edição.

Fabricio Lopez
Mestre em poéticas visuais pela ECA/USP, é um dos fundadores do Ateliê Espaço Coringa. Em 2007 implantou um ateliê no bairro do Valongo, no centro histórico de Santos, onde desenvolve trabalhos com xilogravura. www.ateliesantos.blogspot.com

São oito artistas brasileiros e oito argentinos convidados para criar imagens em três cores que refletissem sobre as diferenças e os paralelos entre a produção portenha e a paulistana. O resultado desse diálogo cultural virou o livro que terá uma tiragem de 300 exemplares, sendo 90 delas destinadas a instituições de arte, cultural e educação dos dois países.

Confira outras obras e a a biografia dos artistas.

Livraria Pop
Rua Virgilio de Carvalho Pinto, 297, Pinheiros, São Paulo, SP
Tel. 0/xx/11/3487-1677
Até 28/11
Segunda a sexta, das 13h às 20h, sábados das 11h às 18h.

Fonte: Bravo Online.

O Panorama do Museu de Arte Moderna de São Paulo privilegia, pela primeira vez, nomes internacionais. A provocação aponta um fato: artistas como Hélio Oiticica influenciam mais do que se pensa a produção de fora

Se há um consenso no terreno das artes plásticas é o de que pouco importa atualmente a procedência de um artista. Não são poucos os que têm um país na certidão de nascimento e outro ­- ou outros – como referência cultural. Para ficar em um exemplo consagrado: faz diferença dizer se Vik Muniz é brasileiro ou americano (ele está em Nova York desde a década de 1980)? E suas criações? Dá para bancar que exibem características só daqui ou dos Estados Unidos? Nem por isso, no entanto, a apresentação dos participantes da 31ª edição do Panorama da Arte Brasileira, que abriu em outubro no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), foi bem recebida no meio. Na lista assinada pelo curador Adriano Pedrosa figuram apenas nomes estrangeiros – com duas exceções: a mineira Tamar Guimarães, que vive na Dinamarca, e o paulistano Valdirlei Dias Nunes, chamado pelo argentino Nicolás Guagnini para colaborar em sua obra. O anúncio causou polêmica, motivada por duas razões. A primeira diz respeito à história do próprio Panorama, que, idealizado em 1969 para ajudar na montagem de um acervo para o MAM, acabou se fortalecendo como um espaço dedicado à produção nacional emergente. A segunda é o fato de os artistas brasileiros ficarem de fora justamente num momento de especial reconhecimento no exterior. “Que presunção, que vaidade, que egocentrismo, que exclusão, que ignorância”, escreveu o artista Artur Barrio, português de nascimento, mas que mora no Brasil desde a década de 1950, no blog Canal Contemporâneo. “É realmente triste ver a que ponto chega este jogo de nepotismo, amiguismo e internacionalização de nossos curadores”, disse o artista mineiro Marco Paulo Rolla, engrossando o coro dos descontentes.

“A questão da nacionalidade é o critério mais simplista que um curador pode adotar hoje”, afirma Pedrosa, devolvendo os ataques. À frente do que considera “a maior exposição do principal museu privado de São Paulo”, ele apresenta os cerca de 30 criadores como “estrangeiros que produzem arte brasileira”. Pode-se falar que tal ousadia na concepção da mostra começou a ser esboçada em 2003, quando o MAM colocou um curador cubano para responder pelo Panorama. Gerardo Mosquera levou para o museu outros três nomes internacionais: o argentino Jorge Macchi (também presente na edição deste ano), o belga Win Delvoye e a chinesa Kan Xuan. Na época, já diante de certa resistência, Mosquera alegou que as escolhas provavam a vocação internacional da arte brasileira. Agora, a radicalização dessa postura resultou em reações mais acaloradas, o que não deixa de ser positivo para a mostra. Existe expectativa com relação ao Panorama deste ano, algo importante num momento em que a validade de grandes exposições passou a ser questionada­­ – depois de uma Bienal de São Paulo bastante fraca.

IDEIAS MADE IN BRAZIL
A força da cultura brasileira entre artistas estrangeiros vem crescendo há pelo menos dez anos. Há quem tome a Documenta de Kassel de 1997 como uma espécie de marco nesse sentido. Foi na décima edição da prestigiada coletiva alemã que o mundo conheceu com mais profundidade o legado da mineira Lygia Clark (1920-1988) e do carioca Hélio Oiticica (1937-1980), ambos homenageados com salas especiais na mostra. Oiticica e Lygia, a dupla de expoentes do neoconcretismo, são justamente as principais influências nacionais entre os criadores do exterior, de acordo com o curador Adriano Pedrosa – ao lado dos modernistas Oscar Niemeyer e Franz Weissmann (1911-2005). Foi por meio dessa constatação que ele selecionou os integrantes da mostra no MAM. “Os nomes que trago desta vez mantêm uma relação mais profunda com a nossa produção sobretudo a partir dos anos 50. A referência brasileira não é mais aquela explorada pelos artistas viajantes dos séculos 17 e 18, que trabalhavam só com a paisagem tropical. Deixamos de ser uma inspiração exclusivamente visual para exportarmos o pensamento também”, diz Pedrosa. “A exposição é brasileira. Tem bossa nova, tropicália, Lina Bo Bardi, Niemeyer. Porém agora é a nossa cultura que está sendo canibalizada pelo outro.”

Entre suas escolhas, aparecem ligações bem óbvias com o Brasil. Alguns trabalhos trazem isso já no título, caso dos desenhos em grafite feitos pelo português Julião Sarmento em 1992 e batizados de Brasil. Ou da estrutura de madeira com fogos de artifício criada pelo americano Cerith Wyn Evans em 2004. A obra chama-se Aqui Tudo Parece que Ainda É Construção e Já É Ruína, verso da canção Fora da Ordem, de Caetano Veloso.

Em outras, a relação com o Brasil acontece de forma menos escancarada – mas nem por isso difícil de identificar. Módulo de Construcción con Tortillas, escultura montada pelo mexicano Damián Ortega em 1998, poderia ser tomada como uma peça de Franz Weissmann não fosse, claro, pela brincadeira muito bem sacada do artista em usar o salgadinho típico do México como matéria-prima. Bem-humorado, o trabalho Sem Título (Suporte para Aula de Matemática (Branca)), desenvolvido dois anos atrás pelo colombiano Gabriel Sierra (no topo), lembra um movimento estético nacional, o neoconcretismo. Com seis réguas entrelaçadas a frutas tropicais (peras e maçãs), o artista combina itens aparentemente antagônicos: a racionalidade do cálculo e a imprevisibilidade da natureza. E assim a composição parece resumir a principal crença das rodas neoconcretas do fim dos anos 50: o Grupo Frente, do Rio de Janeiro, e o Ruptura, de São Paulo, nascidos como uma resposta à dureza do concretismo. Eles defendiam que era possível o casamento entre a liberdade de expressão e o rigor geométrico até então perseguido por seus antecessores.

Um dos principais nomes desta edição do Panorama é o alemão Franz Ackermann. Suas aquarelas e colagens cheias de cor remetem ao tropicalismo e à arquitetura brasileira. Em uma das obras, por exemplo, a imagem do edifício Copan, projetado por Niemeyer no centro de São Paulo, surge mesclada ao retrato do próprio Ackermann. O curador da mostra, orçada em torno de R$ 900 mil, ainda convidou nove artistas para cumprir residência na capital paulistana. Adrián Villar Rojas, Mateo López e José Dávila foram alguns dos eleitos para morar por cerca de dois meses no edifício Lutetia, também na região central de São Paulo, que pertence à Fundação Armando Álvares Penteado. Durante a temporada, eles produziram obras, e algumas delas farão parte da exposição. Entre elas, o letreiro desenvolvido pela dupla Claire Fontaine, formada pela italiana Fulvia Carnevale e pelo irlandês James Thornhill, que vivem em Paris. Em néon, a escultura traz a frase Mamõyguara Opá Mamõ Pupé, tradução em tupi para a expressão “Foreigners Everywhere” (Estrangeiros em Todo Lugar). A ideia de que, não importa para onde vão, os artistas são sempre estrangeiros, encaixou-se tão bem na proposta de Pedrosa que acabou virando o título deste Panorama.

ONDE E QUANDO
Panorama da Arte Brasileira 2009 – Mamõyguara Opá Mamõ Pupé (parque do Ibirapuera, portão 3, São Paulo, SP, tel. 0++/11/5085-1300). De 4/10 a 20/12. De 3ª a dom. e feriados, das 10h às 18h. R$ 5,50.

Fonte: Bravo Online. Por Gisele Kato.

UM OLHAR
Alabama Tenant Farmer, 1936. De semblante sério, o camponês Floyd Burroughs encara o fotógrafo. A roupa puída, o fundo negro e a luz uniforme, além da composição centralizada – apenas aparentemente banal -, geram hipnotismo em quem os observa

ESPERANÇA
West Virginia Living Room, 1935. Os personagens de Evans preservam no fundo dos olhos a crença em dias melhores, como nesta brilhante e irônica contraposição entre um menino e anúncios publicitários. Entre seus seguidores está o suíço Robert Frank, consagrado pelo registro dos Estados Unidos do pós-guerra no livro Os Americanos (1958)

NA CRISE
Truck and Sign, 1930. Ao perseguir a documentação do visível, como na foto do caminhão que carrega um letreiro com a palavra “danificado”, Evans foi na contramão das vanguardas da época, que perscrutavam a subjetividade do homem

Fonte e outras fotografias: Bravo Online

Móveis, louças, vasos, iluminação, óculos, artigos de papelaria, relógios de pulso, óculos de sol, a pira olímpica, brinquedos, relógios despertadores, barcos, quartos de hotel, edifícios comerciais, motos …

Por mais de 30 anos, Philippe Starck tem sido um designer, criador e arquiteto nada convencional (quando perguntado o que ele queria ser quando era criança ele respondia “astrofísico” ou “compositor”). Ele derrama sua energia e entusiasmo sem limites em uma miríade de idéias. Para ele, a vida é “tornar os produtos poéticos”.

A  inspiração inicial de Philippe Starck veio de seu pai, que era um engenheiro aeronáutico. O jovem Philippe passou horas desmontando e montando o que tinha à mão: de brinquedos, bicicletas, motos a vários outros objetos. Este processo acabou por aguçar a sua curiosidade, refazendo o mundo à sua volta.

Sua mãe lhe deu uma visão poética do mundo, uma abordagem de vida que ele chama de “panache” (em português, panachê significa mistura de legumes diversos, picados e refogados). Aconselhado por ela, ele estudou design na Nissim de Camondo em Paris.

Vários anos e diversos protótipos mais tarde, e Philippe Starck foi contratado para trabalhar para o presidente francês François Mitterrand. Também nessa época Starck já estava criando mobiliário para as principais empresas italianas, bem como aprimorando seu portfólio de serviços para hotéis, exemplos clássicos desse período podem ser encontrados em Nova York e Miami. A arquitetura expressionista de Starck também começava a surgir no Japão.

Philippe Starck tanto gosta de mexer com as tradições e a cultura das grandes cidades ao redor do mundo quanto se esforça para estabelecer novos clássicos.

O primeiro de uma série de restaurantes japoneses inaugurados nos EUA foi apontado como “um dos restaurantes mais envolventes dos últimos dez anos.” Seus hotéis trouxeram uma nova dimensão à paisagem dos Estados Unidos, bem como em outros países.

Quando Philippe Starck concebe um hotel ou restaurante, ele presta mais atenção ao que não há no entorno do que ao que há, criando espaços que o visitante pode fazer parte ou transformar. Para Starck, “o vazio é mais importante do que a plenitude”. São espaços projetados para que os membros de uma “tribo cultural” sejam tirados dela e, mais importante, sejam levados para algo melhor.

As “credenciais verdes” de Phillipe Starck já eram evidentes antes do assunto sustentabilidade – ou “o pensar” sobre o futuro do planeta – tornar-se popular. Mais de 10 anos atrás, ele montou uma empresa de alimentos orgânicos e atualmente projeta carros a hidrogênio. Ele também é o diretor criativo para o projeto de um novo espaço no Novo México, que será executado dentro dos mais elevados padrões ambientais.

Texto base: Philippe Starck’s School of Design
Fonte: BBC
As imagens são da internet e não estão em ordem cronológica.
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“Desde que a música foi codificada pelos gregos como clara expressão numérica, as atividades culturais e manifestações artísticas não têm como manter distância dos números. Assim, essa intimidade com números que a música evidencia nos compassos, ritmo e harmonia pode ser facilmente encontrada também em outras expressões artísticas. Como na riqueza geométrica que rege a pintura e as artes visuais; na métrica que cadencia os versos; na variação de arranjos combinatórios que emana das coreografias das danças e festas; nas matrizes dos bits da arte eletrônica; nos índices de abertura e exposição das máquinas fotográficas que comandam os pixels; no tempo do filme sobre a moviola ou na ilha de montagem, onde nascem as obras audiovisuais.”

Juca Ferreira
Ministro da Cultura

Com esta introdução o Ministro apresenta o Cultura em Números – Anuário de Estatísticas Culturais 2009, evidenciando a importância deste levantamento, e sobretudo, em face da total falta de dados para gestão culturalno Brasil até então. Juca Ferreira acrescenta: “Cultura em Números nos revela um primeiro mapa de navegação, uma primeira classificação das estatísticas e cifras culturais no Brasil. Ele possibilitará que os números e as estatísticas nos auxiliem a trilhar um caminho mais autônomo rumo ao desenvolvimento e afirmem operacionalmente a cultura como uma dimensão essencial da cidadania brasileira.”

O documento é tão valioso, no sentido de sua importância histórica, que o BloGift inaugura uma série de posts com resumos preparados a partir do Anuário. A idéia é trazer os dados mais relevantes sob a ótica da propaganda e do design, para que possa ser agregada mais relevância nas mensagens de criamos, na divulgação de um produto por exemplo.

Dentro de alguns dias o primeiro post da série vai tratar do consumo das manifestações culturais ditas tradicionais como cinema, rádio, TV e jornal; o perfil dos consumidores e sua relação com cada uma destas manifestações, nos principais mercados do país.

Fique ligado. BloGift é informação selecionada pra você que aprecia toda forma de criatividade.

Veja também o post “As legítimas“, de 18 de março de 2008, aqui do BloGift!

A série ‘Aqueous’, do fotógrafo britânico Mark Mawson, remete o espectador a um ambiente liquefeito.

O artista diz que iniciou a série inspirado em fotos de tinta em água. “Ainda que fossem bonitas, achei que faltava algo. Achei que podia criar algo diferente.” Mawson diz que a foto de que mais gosta retrata gotas brancas, “simples”, caindo na água escura.

Mawson diz que utilizou diferentes soluções de tinta para chegar àquelas que melhor funcionavam esteticamente. Ele também usou diferentes soluções de glicerina e água para alcançar diferentes resultados. “Eu queria algo que criasse formas orgânicas, com corpo.”

O divertido de ‘Aqueous’, diz Mawson, é que os espectadores podem ver nas fotos “coisas diferentes, como águas-vivas, criaturas alienígenas, dançarinas, homens velhos e até Jimi Hendrix tocando fogo na sua guitarra, em uma das fotos amarelo e vermelho”.

Durante as fotos, o artista tem de ser rápido, porque as formas não duram mais que poucos segundos, e o momento ideal, às vezes nem isso. “É um processo trabalhoso, mas vale a pena quando se vê as imagens”, comenta.

Mark Mawson começou sua carreira no fotojornalismo e foi ampliando seu espectro ao longo dos anos. “Trabalho com uma mistura de objetos, desde moda e retratos de celebridades até paisagens esquisitas”, conta.

Hoje morando em Sydney, na Austrália, o fotógrafo britânico tem se especializado em fotos subaquáticas de pessoas e de moda. Sua série ‘Underwater’ retrata modelos debaixo d’água.

Ele diz que gostou de trabalhar com o abstracionismo de ‘Aqueous’ e que pretende retomar os experimentos usando tinta e água. “Vamos ver no que dá!”

Fonte: BBC Brasil